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Nelly Ben Hayoun-Stépanian Ph.D (iel) est un.e réalisateurice et concepteurice d&#8217;expériences primé.e, cinéaste et directeurice créati.f.ve, qui crée des projets expérientiels multidimensionnels à l&#8217;intersection du cinéma, de la science, de la technologie, du théâtre, de la politique, des arts et du design. Ben Hayoun-Stépanian a fondé et géré des projets, des commandes et des plateformes à toutes les échelles, depuis les organisations communautaires de base (The University of the Underground) jusqu&#8217;aux festivals financés par des fonds publics à hauteur de plusieurs millions de livres sterling (appelés Tour de Moon), en passant par des plateformes à la fois physiques et virtuelles. Reconnu.e par ses pair.e.s comme une &#8220;force de la nature&#8221; et un.e &#8220;fabricant.e de l&#8217;impossible&#8221;, iel est réputé.e pour perturber les systèmes et susciter une imagination radicale tout en soutenant les contre-cultures de jeunes, les pratiques expérimentales et les avenirs pluralistes.

Nelly Ben Hayoun-Stépanian

(L&#8217;imagination radicale à l&#8217;œuvre)
En ouverture du festival KIKK 2023, Nelly vous emmènera dans un voyage provocateur à travers sa pratique décoloniale, construisant des plateformes pour un impact sociologique et critique avec des événements. Dans cette conférence énergique, Ben Hayoun-Stépanian Ph.D. créera un espace de réflexion, de débat et de provocation autour du besoin urgent de communautés organisées, de vie nocturne et de pluralité dans la société.  Nelly partagera les enseignements qu&#8217;iel a tirés de la création et de la direction du festival LGBTQ+ Tour de Moon. Il s&#8217;agissait d&#8217;un festival gratuit, public, pluraliste et national célébrant la vie nocturne et les contre-cultures de jeunes de tout le Royaume-Uni et d&#8217;ailleurs, dans le cadre de Unboxed, Creativity in the UK. Il s&#8217;agissait de la vitrine de collaboration créative la plus ambitieuse du Royaume-Uni financée par des fonds publics, comprenant des événements gratuits à grande échelle, des installations et des expériences numériques accessibles dans le monde entier, l&#8217;accent étant mis sur les interactions &#8220;non centrées sur l&#8217;homme&#8221; : la musique a été envoyée sur la lune, tandis que des papillons de nuit ont été invités à collaborer à ce festival de créativité totalement hybride dont la mission est de décoloniser, de célébrer la nature, de renforcer les contre-cultures et de redistribuer les richesses.
Vous verrez les coulisses de productions complexes à grande échelle, iel partagera également en exclusivité les derniers développements de son long métrage intitulé &#8220;Doppelgangers x3&#8221;, une enquête diasporique sur l&#8217;établissement humain sur la lune en collaboration avec les doppelgangers de Nelly.
Qui sait : à la fin, vous vous retrouverez peut-être dans un regard émotionnel fait de cristaux et de soleil manufacturé ?
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Radical Imagination at Work

Théâtre

Edan Kwan (né en 1986 à Hong Kong) est un artiste numérique visionnaire et un directeur créatif très demandé dans les secteurs dynamiques du design et de la publicité. Grâce à sa capacité unique à combiner l&#8217;art et la technologie, il est reconnu comme un artiste de pointe et une force créative avec laquelle il faut compter.
Après avoir vécu et travaillé dans des centres créatifs dynamiques tels que Hong Kong, New York et Tokyo, Edan vit aujourd&#8217;hui au Royaume-Uni, où il possède et dirige Lusion, un studio de production numérique plusieurs fois primé et réputé pour créer des expériences numériques immersives et avant-gardistes pour des marques de premier plan.

Edan Kwan

(Expérience immersive en pyjama : Une Histoire fantastique à dormir debout au royaume de la créativité)
À travers le miroir de cet exposé, vous découvrirez comment peindre avec la physique et sculpter avec les mathématiques, en utilisant la créativité comme palette et WebGL comme toile. Vous traverserez les autoroutes en néon de la visualisation de données, escaladerez les sommets chatoyants de la modélisation 3D et plongerez dans les océans iridescents des expériences immersives.

Immersive Experience in Pyjamas : A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Immersive Experience in Pyjamas: A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Kirsty Jennings est une productrice multidisciplinaire et une dirigeante stratégique qui a fait ses preuves dans l&#8217;obtention de commandes et de partenariats internationaux, dans la conduite de changements organisationnels et dans la production d&#8217;œuvres primées de grande qualité et d&#8217;une grande ambition artistique. Elle est productrice exécutive pour Anagram, un studio créatif primé spécialisé dans la narration interactive et la conception d&#8217;expériences immersives.
Auparavant, Kirsty a travaillé pendant huit ans en tant que directrice commerciale pour le groupe d&#8217;artistes de renommée internationale Blast Theory. À ce poste, elle a produit des œuvres d&#8217;art sous de multiples formes immersives, notamment Karen (2015), une œuvre d&#8217;art numérique explorant le profilage des données ; des pièces de théâtre immersives à forte charge politique telles que Operation Black Antler (2016) ; des collaborations internationales à grande échelle telles que 2097 : We Made Ourselves Over (2017) et des longs métrages interactifs en direct, dont Bloodyminded (2018).
Kirsty a également travaillé avec Documentary Campus, 104 Films et Sheffield Doc/Fest.

Kirsty Jennings d'Anagram

(Tout ce que vous ressentez est réel)
Mélange d&#8217;expériences tangibles et d&#8217;histoires impossibles pour déterrer de petites vérités. Comment pouvons-nous utiliser les mondes immersifs pour réimaginer le monde et la place que nous y occupons ?
Dans cette conférence, Kirsty discutera du pouvoir des expériences physiques pour façonner la perception dans les espaces virtuels. Elle se concentrera sur l&#8217;expérience VR d&#8217;Anagram, Goliath : Playing with Reality (2021), qui associe la puissance sensorielle du théâtre immersif à la technologie récemment disponible pour inviter de manière ludique le public à pénétrer dans des mondes alternatifs et à comprendre de manière unique notre propre esprit.

Everything you feel is real

Anagram

Maywa Denki, le studio d&#8217;art dirigé par Novmichi Tosa, porte le nom de l&#8217;entreprise d&#8217;électricité que son père dirigeait, d&#8217;où l&#8217;uniforme typique des magasins d&#8217;électricité japonais que portent les &#8220;employés&#8221; de l&#8217;unité. Chaque pièce de Maywa Denki est un &#8220;produit&#8221;, et les expositions ou spectacles sont organisés comme des &#8220;démonstrations de produits&#8221;. Visitez n&#8217;importe quel magasin de variétés ou d&#8217;instruments de musique au Japon, et vous découvrirez probablement un étalage consacré au synthétiseur jouet connu sous le nom d&#8217;Otamatone, un curieux appareil dont les fans sont peu nombreux mais dévoués. Disponible en plusieurs tailles, cet instrument électronique ayant l&#8217;apparence d&#8217;une croche dessinée a été lancé en 2010 et reste l&#8217;une des créations les plus célèbres de Maywa Denki. Basée à Tokyo, l&#8217;entreprise marie l&#8217;art et le commerce, démocratisant la créativité tout en donnant ses lettres de noblesse à l&#8217;amusement loufoque.
Le cœur de Maywa Denki est son cofondateur, inventeur, musicien, artiste et entrepreneur Novmichi Tosa. Il se situe culturellement quelque part entre Devo et le Blue Man Group, Harry Partch et Alexander Calder, Akihiro Yokoi et Aki Maita (les inventeurs du Tamagotchi).
En live, le groupe propose des concerts-performances popkitsch jubilatoires mettant en scène des instruments de musique électromécaniques aussi absurdes qu&#8217;ingénieux. Leur spectacle devrait ravir les amateurs de culture électronique et de théâtre de rue.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Maywa Denki

Closing talk & robotic music performance

Jack Isles est architecte, chercheur et cartographe. Il travaille entre l&#8217;Italie et l&#8217;Espagne.
Son travail se concentre sur l&#8217;intersection de la climatologie, de la migration et des droits de l&#8217;homme, en développant des méthodologies spatiales et des pratiques analytiques pour enquêter sur les conflits à travers de nombreuses échelles. En tant que cartographe, il est membre de l&#8217;agence suisse d&#8217;investigation Border Forensics, qui documente la violence soutenue par l&#8217;État aux frontières de l&#8217;Europe. En tant que chercheur à l&#8217;université de Bologne, il est membre du projet Hostile Envrioment, financé par l&#8217;ERC, qui étudie l&#8217;écologie politique de la migration et de la violence frontalière.
Le travail de Jack a été exposé et publié par des organisations telles que Human Rights Watch, Chicago Architecture Triennale, Rosa Luxemburg Foundation et Elisava Escuela Universitaria de Diseño e Ingeniería de Barcelona.

Jack Isles

Hostile Waters explore les limites floues et la violence intrinsèque des frontières intérieures et extérieures de l&#8217;Europe. En se concentrant sur le travail autour de la migration à travers la Méditerranée centrale, Jack extrapolera sur les pratiques d&#8217;investigation, spatiales et artistiques pour documenter et dénoncer la violence en mer.
L&#8217;exposé mettra en lumière diverses méthodologies médico-légales développées par Border Forensics et LIMINAL pour résister à la criminalisation de la migration et à la surveillance généralisée des frontières, en transformant les espaces aériens au-dessus de la mer Méditerranée.

Hostile Waters - Strategies for Resistance 

Hostile Waters ; Strategies for Resistance 

La Bourse - Rops

Gemma O&#8217;Brien est une designer et une artiste de renommée internationale connue pour ses graphiques audacieux, ses lettrages illustratifs et ses peintures murales.
Ses œuvres ont été commandées par Apple, Nike et Google, et font partie de la collection permanente du Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum à New York.
En dehors de son travail de conception commerciale, elle explore le langage, la nature et l&#8217;expérience humaine à travers sa pratique artistique.

Gemma O'Brien

(Comment devenir une artiste ultra)
Après une décennie passée à travailler dans le domaine du graphisme, de l&#8217;art et de l&#8217;illustration, Gemma O&#8217;Brien a été intriguée par l&#8217;idée que l&#8217;ultrarunning pourrait en fait contenir les secrets d&#8217;une longue vie d&#8217;artiste.
Rejoignez-la au KIKK à Namur 2023 pour qu&#8217;elle partage les premières histoires de sa carrière, les processus pratiques derrière ses plus grandes installations murales et qu&#8217;elle explique ce que signifie, selon elle, être une artiste ultra.

How to Be An Ultra Artist

Gemma O’Brien

PORTO ROCHA est une agence de branding et de design basée à New York développant un travail créatif et stratégique qui s&#8217;engage profondément dans le monde dans lequel nous vivons.
Elle se situe à l&#8217;intersection de la stratégie et du design, de l&#8217;entreprise et de la culture, de l&#8217;artisanat et du travail à grande échelle.
Travaillant en étroite collaboration avec des personnes et des entreprises pour créer des systèmes de marque, des produits et des expériences, ils cherchent à provoquer des changements significatifs à travers leur travail, qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets à grande échelle qui touchent des publics importants ou d&#8217;initiatives motivées par des considérations sociales et culturelles.
Felipe Rocha : Fondateur et directeur de la création 
Felipe Rocha est un designer et directeur créatif brésilien basé à New York. Il a commencé sa carrière en 2008 et a depuis travaillé dans différents domaines du design, notamment l&#8217;image de marque, l&#8217;expérientiel, l&#8217;éditorial, le numérique et la publicité. Felipe a créé des œuvres culturellement pertinentes pour des marques mondiales telles que Netflix, Airbnb et Spotify, où il a dirigé la conception de nouvelles initiatives de marque et de collaborations avec des artistes majeurs. Il a également travaillé en tant que designer senior chez Sagmeister &amp; Walsh, a cofondé Arnold, un studio de design graphique à São Paulo, et a effectué une résidence à Fabrica, le laboratoire créatif de Benetton en Italie, où il a travaillé sur l&#8217;emblématique magazine COLORS.
Leo Porto : Fondateur et directeur de la création 
Leo Porto est un designer et directeur créatif brésilien vivant à New York. Avant de créer PORTO ROCHA, Leo était directeur du design chez COLLINS. Tout au long de sa carrière, Leo a travaillé dans des studios renommés tels que Pentagram, Mother et Chermayeff &amp; Geismar &amp; Haviv. Largement reconnu par un certain nombre de prix de design et de publications majeures telles que The One Club, Print Magazine et The Type Director&#8217;s Club, Leo a également été nommé &#8220;Young Gun&#8221; par The Art Directors Club. Axé sur la stratégie de marque et les systèmes de conception, le travail de Leo maintient une présence mondiale grâce à ses conceptions pour certaines des plus grandes marques du monde, notamment Target, Nike et Twitch.

Porto Rocha

(Quels futurs pourrions-nous concevoir ?)
Cofondée par les designers brésiliens Leo Porto et Felipe Rocha, PORTO ROCHA est une agence de design basée à New York qui travaille à l&#8217;intersection de la stratégie et de la culture. Dans cette session, Felipe et Leo discuteront de leur parcours créatif et exploreront les changements de paradigme qui affectent les designers contemporains et futurs.

What Futures Could We Design ?

Nadieh Bremer est une artiste qui, après avoir obtenu un diplôme d&#8217;astronome, a commencé à travailler comme data scientist avant de trouver sa véritable passion dans la visualisation de données.
En tant que &#8220;Meilleure personne&#8221; des Information is Beautiful Awards en 2017, et coautrice de Data Sketches, elle se concentre sur des visuels qui sont conçus de manière unique pour chaque ensemble de données spécifique, en utilisant souvent des ensembles de données vastes et complexes tout en employant des palettes de couleurs vibrantes.
Elle a réalisé des visualisations et des œuvres d&#8217;art pour des entreprises telles que Google News Lab, Sony Music, l&#8217;UNICEF, le New York Times et l&#8217;UNESCO.

Nadieh Bremer

(Visualiser les connexions)
Les connexions font partie de nous, du monde, qu&#8217;il s&#8217;agisse des connexions entre les personnes, entre les cultures, au sein d&#8217;une même langue, et bien plus encore. À l&#8217;heure où l&#8217;on recueille chaque jour plus de données que l&#8217;on ne pourrait jamais espérer explorer, la variété des connexions recueillies ouvre la voie à la visualisation de ces réseaux (souvent complexes).
Au cours de cet exposé, Nadieh vous fera découvrir le processus de conception de plusieurs de ses travaux de visualisation de données (interactives), qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets personnels ou de travaux réalisés pour des clients. Le point commun de tous ces travaux est qu&#8217;ils révèlent tous des liens, mais tous différemment. D&#8217;un arbre généalogique de 3000 personnes liées aux maisons royales européennes, à ceux qui existent entre notre patrimoine culturel immatériel créé pour l&#8217;UNESCO, aux connexions que nous avons dessinées dans le ciel nocturne, à quelque chose avec les chats et les chiens&#8230;
Nadieh nous révélera que tous les types de connexions sont uniques et que les subtilités qu&#8217;elles recèlent nécessitent une approche créative, itérative et personnalisée.

Visualizing Connections

Étienne Mineur, né en mai 1968, est un designer, éditeur et enseignant français dont le travail se concentre sur la relation entre le design graphique et l&#8217;interactivité. Il est le fondateur des Éditions Volumiques, une maison d&#8217;édition ainsi qu&#8217;un studio d&#8217;invention, de conception et de développement de nouveaux types de jeux, de jouets et de livres consacrés à la relation entre le tangible et le numérique.

Étienne Mineur

(Utiliser des intelligences complémentaires en design)
L&#8217;intelligence artificielle, qui simule l&#8217;intelligence humaine, a fait des progrès considérables grâce au Machine Learning et au Deep Learning. Aujourd&#8217;hui, ces &#8220;intelligences&#8221; surpassent les humains dans de nombreux domaines, bien qu&#8217;elles soient dépourvues de morale et d&#8217;éthique. L&#8217;IA générative, capable de créer des contenus originaux, est en train de révolutionner différents secteurs, dont celui du design. Au cours de cette présentation, Étienne exposera un certain nombre de projets utilisant l&#8217;IA dans le design, et démontrera comment ces IA peuvent aider à développer de nouvelles idées et formes, ainsi qu&#8217;à améliorer le processus créatif.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Using complementary intelligences in design

Delta

Felipe Sánchez Luna est un artiste qui se concentre sur la musique, les expériences interactives et les arts numériques. Originaire de Bogotá, en Colombie, il s&#8217;est installé à Berlin, en Allemagne, et a cofondé le studio d&#8217;expériences sonores kling klang klong. Avec une formation en codage créatif et une passion pour la conception sonore, Felipe mélange habilement des éléments issus du cinéma, de la musique, de la danse et des technologies de pointe pour créer une musique générative captivante et des moteurs audio intelligents. Tout en créant des expériences sonores à l&#8217;aide de technologies interactives, Felipe cherche à mieux comprendre le contexte socio-politique qui nous entoure. Sa quête incessante de créativité et d&#8217;avancées technologiques a fait de son équipe une figure de proue dans le paysage en constante évolution de la musique, de la scénographie sonore, du son interactif et de la composition musicale par l&#8217;intelligence artificielle.
kling klang klong est un studio de création qui compose du son et du code pour des expériences sonores. L&#8217;équipe est composée de compositeurs, de concepteurs sonores, de penseurs créatifs, de scientifiques et de technologues qui explorent de nouvelles façons d&#8217;émouvoir les gens grâce à l&#8217;impact du son. Leur travail peut être trouvé internationalement dans des environnements réels et virtuels, des espaces d&#8217;art, des musées ou des événements.

Felipe Sanchez Luna - kling klang klong

(Résonance : Explorer le pouvoir de transformation du son)
Le son et la musique sont des éléments essentiels des expériences immersives, car ils servent de canaux aux émotions et à la compréhension du subconscient. Ce médium magique possède la remarquable capacité de modifier les esprits et même d&#8217;influencer le comportement. Felipe vous invite à jeter un coup d&#8217;œil derrière le rideau créatif du studio berlinois kling klang klong. Depuis près d&#8217;une décennie, ce collectif innovant fusionne harmonieusement la musique, le son, la technologie et la science, créant des expériences auditives extraordinaires qui captivent et inspirent.
Qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets artistiques poétiques ou d&#8217;explorations stimulantes de questions urgentes telles que le changement climatique, kling klang klong a perfectionné l&#8217;art de transformer des concepts complexes en expériences émotionnelles tangibles. À travers leurs œuvres et installations diverses, ils tissent habilement des liens entre des sujets variés, comblant le fossé entre la compréhension intellectuelle et la connexion émotionnelle.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Resonance : Exploring the Transformative Power of Sound

Kling Klang Klong

Maya Indira Ganesh
Maya Indira Ganesh est chercheuse, écrivaine et éducatrice dans le domaine de la technologie et des cultures numériques. Elle codirige un programme de maîtrise sur l&#8217;éthique et la société de l&#8217;IA à l&#8217;université de Cambridge et est chargée de recherche au Leverhulme Centre for the Future of Intelligence (Centre Leverhulme pour l&#8217;avenir de l&#8217;intelligence). Elle a obtenu un doctorat en études culturelles de l&#8217;université de Leuphana, à Lüneburg, en Allemagne, pour un travail qui analysait la formation sociale de l&#8217;éthique et de l'&#8221;autonomie&#8221; dans les voitures sans conducteur.
En 2022, elle a coorganisé AI Anarchies avec Nora N Khan pour l&#8217;Académie allemande des arts/Junge Akademie ; en 2023, Maya est conseillère auprès du Martin Gropius Bau, à Berlin, pour leur première exposition sur l&#8217;IA, Ether&#8217;s Bloom.
Avec Georgina Voss et Maria Yablonina, elle forme le studio expérimental Writing Club.
Georgina Voss
Georgina Voss est artiste, écrivaine et éducatrice. Son travail explore la présence et la politique des technologies à grande échelle, de l&#8217;industrie lourde et des systèmes complexes par le biais de performances, d&#8217;installations multimédias, d&#8217;écrits et de projets de recherche à long terme.
Georgina a présenté son travail dans des institutions telles que transmediale, TAC Eindhoven, Tate, Auto Italia South East, STUK, Brighton Digital Festival, Akademie Schloss Solitude, Vienna Design Biennale et London Design Festival. Elle est l&#8217;autrice de Systems Ultra, à paraître chez Verso en janvier 2024.
Georgina est actuellement maître de conférences en systèmes et déviance au London College of Communication, University of the Arts London. Elle a fondé et codirigé le studio de recherche Strange Telemetry et a obtenu son doctorat en études scientifiques et technologiques à la SPRU de l&#8217;université du Sussex.

Writing Club - Maya Indira Ganesh & Georgina Voss

(Les contours troubles et rugueux de l&#8217;IA)
L&#8217;anthropologue Pamila Gupta déclare : &#8220;Si la colonialité est établie par la terre, le décolonial pourrait-il être suggéré par l&#8217;eau ?&#8221;
Les affects et les temporalités poétiques, queer, mystiques, oniriques et magiques fonctionnent comme un brouillard féministe et décolonial qui masque ostensiblement les arêtes vives de la promotion de l&#8217;IA. Mais nous risquons également de nous perdre dans ce brouillard.
Cette performance-conférence examine la politique culturelle qui consiste à nous frayer une voie en tenant compte de la matérialité de la cohabitation à l&#8217;époque de l&#8217;IA.

The hard watery edges of AI

Maya Indira Ganesh & Georgina Voss – Writing Club

Carl Addy est un directeur créatif exécutif et un réalisateur pluridisciplinaire. Il réalise des travaux visuels révolutionnaires dans les domaines de la conception, des médias numériques et de la technologie VR immersive. Son art de la narration est toujours empreint d&#8217;une affection ludique et d&#8217;un divertissement conceptuel à couper le souffle. Il travaille à la fois en action réelle et en animation, combinant son obsession pour la musique avec sa connaissance des tendances numériques et de la réalisation de films.
Carl a remporté des prix de publicité, de conception et de réalisation. Il est fréquemment invité à s&#8217;exprimer lors de conférences créatives dans le monde entier, telles que SXSW, Cannes Lions, Offf et FITC. Ses sujets de prédilection sont la narration moderne, l&#8217;avenir du contenu, la RV et les défis créatifs.
Carl est directeur créatif exécutif chez Mayda, un collectif créatif issu des mondes de la publicité, de la technologie, du cinéma et du jeu.

Carl Addy

(Un Voyage à Mayda)
Selon les premiers cartographes, Mayda est une île inexistante de l&#8217;Atlantique Nord qui a été représentée sur plusieurs cartes publiées à différents moments de l&#8217;histoire.
En plus d&#8217;être un nom provocateur pour un collectif créatif, Mayda est également une métaphore du travail dans un paysage en constante évolution.
Carl utilisera son propre parcours multidisciplinaire comme étude de cas sur la façon de &#8220;naviguer dans les histoires du futur&#8221;, ou comment travailler avec concentration tout en acceptant la distraction comme catalyseur créatif.

A Journey to Mayda

Mélodie Mousset est une artiste polyvalente et primée, connue pour son travail avec la réalité virtuelle. Pionnière dans le domaine de l&#8217;art et de la technologie, elle a cofondé Patch XR en 2020, une société de logiciels innovante qui se consacre à la création d&#8217;expériences XR interactives basées sur la musique.

Mélodie Mousset

(Échos de la méduse : une conversation synesthésique inter-espèces)

Echoes of the Jellyfish : A synesthetic conversation between species

Navid Navab, né et élevé à Téhéran (IR), est un alchimiste des médias, cosmologiste des tables et compositeur antidisciplinaire basé à Montréal, qui étudie le potentiel de formation des processus matériels. Intéressé par la poétique de la schizophrénie, du geste et de la matérialité depuis plus d&#8217;une décennie, Navab compose des expériences multisensorielles, enchevêtrant des corps, des machines et des matérialités à la fois in situ et de concert, de manière à permettre une synchronisation critique avec les matières excitables du processus.
Les œuvres de Navab, qui prennent la forme de compositions sonores gestuelles, d&#8217;architectures vivantes, d&#8217;environnements d&#8217;investigation participatifs et de sculptures cinétiques, circulent internationalement dans des festivals tels que Ars Electronica (AT), la Biennale NEMO (FR), Kapelica Gallery (SL), device_art triennial (HR), Sonica Biennale (BG), Japan Society (US), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), milanOltre (IT), HKW (DE), Canadian Center for Architecture (CA), eArts (CH), et Mios Multi (CA).
En tant que chercheur en sciences de l&#8217;art et codirecteur du Topological Media Lab, Navab s&#8217;appuie sur des études phénoménologiques pour créer des environnements de performance augmentés par le calcul. Ces plateformes servent d&#8217;investigations dans la construction de nouveaux modes de connaissance culturelle et dans l&#8217;étude critique des arts médiatiques et de la techno-science. Les recherches de Navab favorisent une nouvelle éthique de collaboration qui met l&#8217;accent sur la création de sens ludique avec des indéterminations excitables.

Navid Navab

(Aventures avec la matière excitable : de la musique à la chirurgie)
Dans cet exposé, Navid partage ses aventures post-schizophoniques de co-création avec la dynamique computationnelle de la matière. Au cours de ce processus, Navid s&#8217;éloignera médiatiquement du complexe militaro-cybernétique pour revisiter certaines notions telles que le calcul, l&#8217;information et la vivacité. Des applications de pointe dans les interventions chirurgicales non invasives aux architectures vivantes et aux arts du mouvement, Navid démontrera comment cette éthique de conception ouverte s&#8217;est largement prêtée à des avancées surprenantes dans les arts et les sciences.

Adventures With Excitable Matter : From Music to Surgery

Vera-Maria Glahn est une facilitatrice créative, une stratège et une cheffe d&#8217;entreprise avec près de 20 ans d&#8217;expérience dans l&#8217;art numérique et le branding.
À une époque où les défis socio-économiques, technologiques et environnementaux sont les plus radicaux, les plus rapides et les plus interdépendants, Vera croit au pouvoir que les concepteurs et les artistes peuvent exercer dans les processus de changement et d&#8217;innovation &#8211; et à la responsabilité des créatifs d&#8217;en faire bon usage.
Après des années de formation dans les arts médiatiques et le design expérimental, Vera a cofondé FIELD.IO, un studio de création indépendant qui explore l&#8217;art numérique, le design génératif et les nouveaux formats de branding.
Vera est une oratrice et une experte chevronnée qui participe à des conférences sur le design dans le monde entier. Elle est également une mentore et une défenseure du leadership féminin et de la diversité des voix dans les industries créatives.

Vera-Maria Glahn

(Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives)
Dans un secteur qui privilégie l&#8217;excellence des résultats et le génie créatif par-dessus tout, parlons-nous suffisamment de la manière dont nous faisons les choses ? Vera-Maria Glahn, responsable des opérations créatives et stratège, et ancienne directrice d&#8217;un studio de création indépendant, pense que ce n&#8217;est pas le cas.
Son projet Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives est un recueil collaboratif de méthodes et de mécanismes destinés aux fondateur.ice.s, aux responsables de la création et aux artistes, sous la forme d&#8217;un glossaire en ligne, qui s&#8217;enrichit en temps réel.
En rassemblant les enseignements et les stratégies d&#8217;un réseau de contributeur.ice.s issu.e.s de nombreux secteurs des industries créatives, ainsi qu&#8217;en appliquant des notes tirées de publications et d&#8217;entretiens à la pratique du design, du numérique, des médias et des arts, le manuel s&#8217;efforce de fournir une inspiration, une sensibilisation et des conseils tangibles sur la manière de &#8220;créer en collaboration&#8221; de manière positive et solidaire, pour une culture du travail plus égalitaire et plus diversifiée.

The Handbook of Non-Toxic Leadership in the Creative Industries

BrianAfande est cofondateur et CEO de BlackRhino VR et membre du conseil d&#8217;administration du Global Future Council on the Future of the Metaverse au Forum économique mondial.
Il pense que les futurs écosystèmes d&#8217;innovation doivent mettre l&#8217;accent sur l&#8217;individu, l&#8217;humain et la jeunesse. La jeunesse africaine doit être responsabilisée en garantissant la participation active des jeunes à l&#8217;élaboration de leur propre destin. Il se considère comme un agent de changement qui accélère l&#8217;adoption d&#8217;outils technologiques immersifs en Afrique en donnant aux jeunes les moyens d&#8217;être les innovateurs et les inventeurs de l&#8217;avenir.
En tant que technologue créatif, il exploite les connaissances XR pour élargir les possibilités de croissance économique significative parmi les jeunes, ce qui les aidera à développer de nouvelles idées, des compétences techniques, de nouveaux modèles d&#8217;entreprise et des emplois qui contribueront à relever les défis de développement de son continent. En tant qu&#8217;adopteur précoce des technologies XR, il a pour mission et vision de concevoir, démocratiser, démystifier et déployer les technologies XR en Afrique.

Brian Afande (BlackRhino VR)

(Démystification du paysage africain de la XR)
Alors que le continent africain continue d&#8217;évoluer, les technologies de réalité étendue sont devenues une force motrice pour l&#8217;innovation qui a continué à connecter les créatifs, les entrepreneurs, les investisseurs, les gouvernements et les industries pour atteindre une croissance numérique rapide de manière transformatrice en réunissant les mondes physiques et virtuels. Les technologies XR permettent à toute une génération de s&#8217;émanciper en offrant de nouvelles opportunités de croissance et de nouvelles voies qui ont généré un développement socio-économique alimenté par la créativité africaine. Cet exposé sera un voyage à travers les écosystèmes XR africains, ses cas d&#8217;utilisation, ses défis, ses réussites, ses plans futurs et ses opportunités.

Demystification of the African XR landscape

Brian Afande

Tatiana Vilela dos Santos est une game designer indépendante et artiste plusieurs fois récompensée (Maker Faire, EIGD, A MAZE., Connext&#8230;). basée à Paris.
Depuis 2010, elle travaille en tant que game designer pour de grands groupes (Orange, BNP Paribas, Renault, Citroën) et des centres de recherche (CNRS, Centre de Recherches Interdisciplinaires, Institut Acte) sur des projets ludiques employant de nouvelles technologies ou faisant un usage innovant de ces dernières.
Elle réalise depuis 2012 des installations ludiques et jeux artistiques, dans le cadre de son projet multimédia interactif MechBird qu&#8217;elle expose autour du monde. La plupart de ses créations sont des installations ludiques et des jeux à contrôleurs alternatifs : des jeux vidéo incluant des interfaces tangibles faites main, construites spécifiquement pour ces expériences.
Qu&#8217;il s&#8217;agisse de jeux vidéo à contrôleur alternatif ou de projet en réalité virtuelle, le travail de Tatiana Vilela dos Santos tend à explorer de nouveaux territoires de l&#8217;art ludique pour réenchanter le réel par le numérique.

Tatiana Vilela dos Santos

(Crafting magic : transformer une installation interactive en aventure ludique)
Entre installation interactive et jeux vidéo, l&#8217;installation ludique séduit par sa capacité à immerger sensoriellement et à émerveiller tout en suscitant un engagement actif des visiteurs. Jouant davantage avec l&#8217;espace qu&#8217;une borne d&#8217;arcade, mais plus ancrée dans le numérique qu&#8217;un espace room, l&#8217;installation ludique propose un panel de possibilités créatives encore très peu explorées.
Pour dépasser l&#8217;expérience du jouet numérique immersif et proposer une véritable aventure ludique , il est utile de penser la porosité tangible-numérique comme un game designer qui ne travaillerait pas dans l&#8217;espace contraint du cadre d&#8217;un écran, mais qui traiterait l&#8217;ensemble du dispositif ludique tant dans le pixel que la matière.
Comment mobiliser les méthodes issues du game design dans le cadre de la création de ces expériences vidéoludiques au format hybride ? Comment créer une boucle de gameplay pour une installation interactive ? Comment gérer les transitions entre espaces tangible et numérique ? Comment poser un récit sur ces environnements ? Comment penser l&#8217;expérience passive spectaculaire en parallèle de l&#8217;expérience ludique ? Cette conférence vous propose d&#8217;aborder le design d&#8217;installation interactive du point de vue d&#8217;une game designer, par-delà la manette et l&#8217;écran, comme expansion du domaine du jeu vidéo au-delà des frontières du numérique.

Crafting Magic : Transforming Interactive Installations into Playful Adventures

Kyle McDonald est un artiste du code basé à Los Angeles. Il crée des installations interactives, des interventions furtives, des sites web ludiques, des ateliers et des boîtes à outils pour d&#8217;autres artistes travaillant avec le code. Il explore les possibilités des nouvelles technologies pour comprendre comment elles affectent la société, pour les utiliser à mauvais escient et pour construire des futurs alternatifs ; il cherche à partager un rire, à susciter la curiosité, à créer la confusion et à partager des espaces avec des vibrations magiques. Il travaille sur l&#8217;apprentissage automatique, la vision par ordinateur, les technologies sociales et de surveillance dans des espaces commerciaux et artistiques.
Kyle a également été professeur adjoint à l&#8217;ITP de NYU, membre du F.A.T. Lab, community manager pour openFrameworks, et artiste en résidence au STUDIO for Creative Inquiry à CMU, et au YCAM au Japon. Ses œuvres ont été commandées et exposées dans le monde entier, notamment au V&amp;A, au NTT ICC, à Ars Electronica, à Sonar, à Todays Art et à Eyebeam.

Kyle McDonald

Ces dernières années, la pratique artistique de Kyle s&#8217;est concentrée sur des projets liés à l&#8217;océan et au climat : enquête sur les infrastructures énergétiques et les émissions, travail sur les chants de baleines à bosse et l&#8217;apprentissage automatique, et assistance aux marins polynésiens qui documentent le partage de leurs techniques de voyage traditionnelles.
Cette orientation lui a permis de mieux comprendre sa relation à l&#8217;environnement et aux autres, et a bouleversé son point de vue sur le rôle que la technologie peut jouer dans notre société.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Notes from the Pacific

Alysha Naples travaille à l&#8217;intersection de l&#8217;art et de la technologie pour créer des expériences qui soutiennent authentiquement le corps, l&#8217;esprit et l&#8217;âme de ceux qui y participent. Elle a passé plus de dix ans à enseigner dans certaines des plus grandes institutions artistiques des États-Unis et a reçu de nombreuses récompenses pour ses solutions innovantes, notamment un DA&amp;D Silver Award, un Webby Award pour le meilleur site web de services et une distinction en tant que Gold Instructor de Graphis New Talent.
Plus récemment, Alysha était Chief Experience Officer pour Tin Drum, un collectif de contenu créant des expériences de réalité mixte transcendantes. Son travail a été exposé à la Serpentine Gallery de Londres, au Victoria &amp; Albert (V&amp;A) Museum de Londres, à Pioneer Works et The Shed à New York, ainsi qu&#8217;au Manchester International Film Festival. Alysha a également été jurée pour la section VR de la Biennale de Venise en 2019. Elle vit et travaille à Amsterdam, aux Pays-Bas.

Alysha Naples

(Émettre, Transporter, Transcender)
Transportez-vous dans un endroit heureux. Un endroit où vous aimez retourner. Un endroit où vous vous sentez connecté, calme et protégé. Un endroit où vous vous sentez en sécurité pour explorer et où vous avez envie de vous engager. Où se trouve cet endroit ? Quelles sont ses caractéristiques ? Quelle est l&#8217;importance de la technologie dans cette scène ?
Une grande partie de l&#8217;expérience actuelle de la technologie est spécifiquement conçue pour voler votre attention, détourner votre temps et transférer votre présence du monde réel.
Alysha a passé la majeure partie de la dernière décennie à concevoir des expériences holistiques et immersives en réalité augmentée qui mettent l&#8217;accent sur la contemplation et la présence. Ce travail l&#8217;a amenée à collaborer avec divers artistes, notamment des acteur.ice.s, des artistes, des danseur.euse.s et des musicien.ne.s qui souhaitaient tou.te.s entrer en contact avec leur public. Explorons comment nous pouvons utiliser la technologie pour créer des expériences transcendantes.

Transceive, Transport, Transcend

Daito Manabe est un artiste, concepteur d&#8217;interactions, programmeur et DJ, qui a lancé Rhizomatiks en 2006 et a été nommé professeur à l&#8217;université Keio SFC.
Les œuvres de Manabe, qui couvrent une grande variété de domaines, adoptent une nouvelle approche des matériaux et des phénomènes quotidiens. Cependant, son objectif final n&#8217;est pas simplement d&#8217;obtenir un réalisme riche et de haute définition en reconnaissant et en recombinant ces éléments de construction familiers. Sa pratique s&#8217;appuie plutôt sur une observation attentive pour découvrir et élucider les potentialités essentielles inhérentes au corps humain, aux données, à la programmation, aux ordinateurs et à d&#8217;autres phénomènes, sondant ainsi les interrelations et les frontières qui délimitent l&#8217;analogique et le numérique, le réel et le virtuel.
Collaborateur prolifique, il a travaillé en étroite collaboration avec de nombreux artistes, dont Ryuichi Sakamoto, Björk, OK Go, Nosaj Thing, Squarepusher, Andrea Battistoni, Mansai Nomura, Perfume et sakanaction. Parmi ses autres engagements figurent des partenariats novateurs avec le Jodrell Bank Center for Astrophysics de Manchester et l&#8217;Organisation européenne pour la recherche nucléaire (CERN), le plus grand laboratoire de physique des particules au monde.
Il a reçu de nombreux prix pour ses contributions multidisciplinaires à la publicité, au design et à l&#8217;art. Il a notamment reçu le prix de distinction Ars Electronica, le Grand Prix Titanium du Festival international de la créativité de Cannes, le Crayon noir du D&amp;AD et le Grand Prix du Japan Media Arts Festival.

Daito Manabe

(Le Pouvoir de la collaboration)
Découvrez l&#8217;importance vitale de la collaboration dans divers secteurs d&#8217;activité et à divers postes, en examinant les processus et les contextes qui permettent de mener à bien de grandes opérations.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

The Power of Collaboration

Fernanda González est Group Experience Director chez Media.Monks, où elle dirige l&#8217;UX et la stratégie pour les produits et plateformes numériques à travers les États-Unis et le Canada. Basée à New York, Fernanda supervise la pratique UX &amp; Strategy et est responsable de la mise en œuvre d&#8217;expériences numériques de classe mondiale dans un large éventail d&#8217;industries, y compris la technologie, le voyage, la vente au détail, et plus encore. Après avoir travaillé chez Leo Burnett et Mirum Agency, Fernanda a récemment passé cinq ans chez Media.Monks Mexico, où elle a mis en place et dirigé l&#8217;équipe UX pour la région LATAM.
Ce large éventail d&#8217;expériences alimente son approche du design : un équilibre entre une esthétique et une structure fonctionnelles mais riches. Pour Fernanda, la conception d&#8217;expériences est un défi passionnant et constant qui consiste à élaborer des stratégies et à faire preuve d&#8217;ingéniosité pour innover dans la manière dont nous abordons les problèmes humains et commerciaux.

Fernanda Gonzalez

(Faire face au changement : concevoir des expériences en période d&#8217;incertitude)
Dans cet exposé, nous nous pencherons sur les défis et les attentes auxquels sont confrontées les équipes chargées de l&#8217;experience design en période d&#8217;incertitude. Nous explorerons l&#8217;impact de divers facteurs tels que la qualité des données, les priorités contradictoires des parties prenantes internes, les réductions de délais et de budgets, l&#8217;optimisation sans innovation et la nécessité d&#8217;un rapport de retour sur investissement plus rapide. En abordant ces défis de front, nous doterons les professionnels du design de stratégies pratiques pour préparer leurs équipes à la réussite.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Embracing Change : Designing Experiences in Times of Uncertainty

Zachary Lieberman est artiste, chercheur et éducateur. Son objectif est simple : il veut vous surprendre. Dans son travail, il crée des performances et des installations qui prennent en compte les gestes humains et les amplifient de différentes manières : il donne vie à des dessins, imagine ce à quoi la voix pourrait ressembler si nous pouvions la voir, transforme les silhouettes des gens en musique.
Il a été cité parmi les personnes les plus créatives de Fast Company et ses projets ont remporté le Golden Nica d&#8217;Ars Electronica, l&#8217;Interactive Design of the Year du Design Museum de Londres, et ont figuré dans la liste des meilleures inventions de l&#8217;année de Time Magazine. Il crée des œuvres d&#8217;art en écrivant des logiciels et est co-créateur d&#8217;openFrameworks, une boîte à outils C++ open source pour le codage créatif. Il a également participé à la co-fondation de la School for Poetic Computation, une école qui étudie les possibilités lyriques du code, et y enseigne. Il est également professeur au Media Lab du MIT, où il dirige le groupe Future Sketches.

Zach Lieberman

(Travailler de manière ouverte)
À l&#8217;aube de ses 40 ans, Zach a décidé de s&#8217;adonner à la pratique du croquis quotidien, en réalisant de petites œuvres d&#8217;art codées qu&#8217;il publie sur les médias sociaux pour saluer le monde. Cette façon de travailler ouvertement a radicalement modifié sa façon de concevoir la création. Dans cette conférence, Zach explorera comment les petites choses peuvent devenir de grandes choses, et ce qu&#8217;il a appris en remodelant sa pratique.
Grâce au soutien des fonds européens FEDER, cette conférence vous est exceptionnellement proposée gratuitement en faisant la demande à l’accueil du festival (entrée du chapiteau).

Working openly

Freya Salway est à la tête du Google Arts &amp; Culture Lab, où elle dirige un programme de résidence d&#8217;artistes et supervise les collaborations mondiales avec des artistes, des scientifiques et des institutions culturelles. Basé entre Paris et Londres, le Lab est un lieu où les communautés technologiques et créatives se réunissent pour partager des idées et explorer l&#8217;application des technologies émergentes dans un contexte artistique et culturel.
Avant de rejoindre Google, Freya a fondé un studio de développement artistique travaillant avec des artistes, des organisations culturelles, des marques et des diffuseurs. Sa carrière a débuté chez Sky Arts, où elle a conçu un programme de bourses pour soutenir les artistes émergents et a dirigé des partenariats avec des institutions culturelles dans tout le Royaume-Uni.

Freya Salway

Freya Salway is the Head of Google Arts &amp; Culture Lab where she leads an artist residency program and oversees global collaborations with artists, scientists and cultural institutions. Based between Paris and London, The Lab is a place where tech and creative communities come together to share ideas and explore application of emerging technologies in an arts &amp; culture context. Prior to Google Freya founded an arts development studio working with artists, cultural organisations, brands and broadcasters. Her career began at Sky Arts where she designed a scholarship program to support emerging artists and led partnerships with cultural institutions across the UK.

Culture X Technology experiments with the Head of Google Arts & Culture Lab

OMSE est un studio créatif qui conçoit des marques simples et percutantes.
Depuis 2016, ils travaillent avec des noms connus et de futurs visionnaires pour les aider à avoir un impact sur le monde qui les entoure et à construire leur héritage. Avec une éthique basée sur la formation de partenariats créatifs étroits, ils ont été en mesure de collaborer avec un nombre incroyable d&#8217;artistes et de s&#8217;associer à des clients allant de la plus grande chaîne de sushis du Royaume-Uni à une boîte de nuit qui abritait autrefois la plus grande usine d&#8217;impression d&#8217;Europe occidentale, en passant par le premier gin de Chine, et bien d&#8217;autres encore.

OMSE  (James Kape & Pedro Messias)

(Les Pattes de canard)
Les hauts et les bas de la gestion d&#8217;un studio et comment nous sommes arrivés là où nous sommes aujourd&#8217;hui.

The Ducks Legs

OMSE

Anna Ridler est une artiste et une chercheuse qui travaille sur les systèmes de connaissance et sur la façon dont les technologies sont créées afin de mieux comprendre le monde. Elle s&#8217;intéresse particulièrement aux idées de mesure et de quantification, ainsi qu&#8217;à leur rapport avec le monde naturel. Son processus consiste souvent à travailler avec des collections d&#8217;informations ou de données, en particulier des ensembles de données, pour créer des récits nouveaux et inhabituels.
Son travail a été largement exposé dans des institutions culturelles du monde entier, notamment au Barbican Centre, au Centre Pompidou, au HeK Basel, à la Photographers&#8217; Gallery, au ZKM Karlsruhe, à Ars Electronica et au Victoria and Albert Museum.

Anna Ridler

(Les Données synthétiques)
Anna examinera la relation entre les données et l&#8217;intelligence artificielle et la manière dont elles peuvent être utilisées à des fins artistiques, ainsi que la manière dont les développements récents des modèles de texte et d&#8217;image de grande taille pourraient changer cette situation.

Synthetic Data

Marek Tuszynski, directeur exécutif et cofondateur de Tactical Tech (2003), est un cinéaste, producteur, conservateur, enseignant et provocateur dont les interventions créatives couvrent les médias, du cinéma et de la radio à la télévision, en passant par les livres, les expositions, les espaces publics et, bien sûr, le web. Depuis 30 ans, il travaille à l&#8217;intersection de la technologie et de la politique, de l&#8217;information et de l&#8217;activisme, et des conséquences de la vie dans une société quantifiée.
Avant Tactical Tech, il a cofondé des organisations dédiées à la création d&#8217;une économie circulaire de l&#8217;électronique, à la documentation de l&#8217;art contemporain dans les pays post-communistes et à la réponse technologique rapide en cas de crise.
Au sein de Tactical Tech, il a cofondé les Tactical Studios, coorganisé les expositions Nervous Systems : Quantified Life and the Social Question (2016), The Glass Room (2016 &#8211; en cours), et Everything Will Be Fine (2022), et est coauteur des livres Visualising Information for Advocacy et Efficiency And Madness. Marek donne des conférences dans des universités du monde entier, notamment au Maryland Institute College of Art, au département de design du Politecnico di Milano, au Royal Institute of Art de Stockholm, à la New York University de Berlin et à la North Eastern University de Boston.
Marek a récemment été primé dans la catégorie &#8220;Artistes&#8221; par le Rise 25 de Mozilla, qui récompense &#8220;25 visionnaires qui remodèlent notre avenir numérique&#8221;.

Marek Tuszynski - Tactical Tech

(Et alors ?)
Les histoires que nous avons besoin d&#8217;entendre n&#8217;ont pas de protagoniste facilement identifiable, une personne ou un groupe de personnes qui peuvent projeter leurs émotions, leurs histoires et expériences uniques, et nous aider à nous identifier aux problèmes et aux luttes qu&#8217;ils ont rencontrés dans le passé ou qu&#8217;ils rencontreront dans un avenir proche. Les histoires que nous devons raconter concernent les données, les algorithmes, les puces de silicium et une foule d&#8217;entreprises sans visage, de protocoles opaques, de techno-fantasmes démesurés et de politiques léthargiques.
Est-il possible de raconter des histoires convaincantes qui créent quelque chose de plus positif que quelques démangeaisons mentales et un inconfort à court terme ?

And so what ?

Tactical Tech

Valentina Peri est une commissaire d&#8217;exposition indépendante, une artiste et une autrice basée à Paris.
Son travail porte sur le rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement sur l&#8217;amour et l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique, l&#8217;histoire des médias et les technologies de l&#8217;anthropocène. Elle a organisé des expositions, publié des écrits et donné des conférences sur un large éventail de sujets dans ces domaines.
Son exposition itinérante Data Dating, sur l&#8217;amour à l&#8217;ère d&#8217;Internet, a été présentée à Paris, Tel Aviv, Londres, Bruxelles, Genève et Brescia. Dans le cadre de cette exposition, elle a coédité un recueil d&#8217;essais publié par Intellect : Data Dating. Amour, technologie, désir (2021).
En 2022, elle a commencé à faire des recherches sur le phénomène des escroqueries à la romance sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest et a publié le livre The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, une collection de messages originaux d&#8217;escrocs à l&#8217;amour ghanéens. Elle travaille actuellement sur un nouveau livre basé sur ses recherches en Côte d&#8217;Ivoire sur les &#8220;brouteurs&#8221;, ou fraudeurs de l&#8217;amour.
Elle a reçu une bourse Fluxus Art Projects Grant en 2022 pour sa recherche curatoriale sur l&#8217;histoire des rencontres : The Museum of Dating, présentée à Londres en 2023. À cette occasion, elle écrit et réalise le film Joan Ball. The Lady of Computer Dating.
Depuis 2021, elle collabore en tant que commissaire d&#8217;exposition avec peer-to-space, une plateforme d&#8217;exposition indépendante basée à Berlin. De 2011 à 21, Valentina a été directrice associée et commissaire d&#8217;exposition à la Galerie Charlot Paris &#8211; Tel Aviv, une galerie d&#8217;art contemporain axée sur les nouveaux médias. Valentina Peri est également cofondatrice de SALOON Paris, un réseau international et diversifié de femmes identifiant les professionnelles de l&#8217;art, qui fait partie du réseau SALOON.

Valentina Peri

La conférence Love, Lies and Romance Scam (Amour, mensonges et arnaque sentimentale) se penche sur le monde intrigant des rencontres en ligne et sur le domaine des escroqueries à la romance. Valentina Peri, commissaire indépendante, artiste et auteur, nous guidera dans une exploration de l&#8217;amour, de l&#8217;intimité et de la tromperie à l&#8217;ère numérique.
Valentina Peri a consacré sa carrière à l&#8217;examen du rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement à l&#8217;amour et à l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique. Son exposition itinérante, Data Dating, qui suscite la réflexion, montre l&#8217;impact profond de la technologie sur les relations amoureuses. En remettant en question nos perceptions de l&#8217;amour, du désir et de la connexion à l&#8217;ère des rencontres en ligne et des interactions virtuelles, Valentina offre un nouvel éclairage sur la dynamique complexe de la romance moderne.
En 2022, Valentina s&#8217;est lancée dans un projet de recherche novateur centré sur le phénomène des escroqueries amoureuses sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest. Ces escroqueries, également connues sous le nom d&#8217;escroqueries aux rencontres en ligne, consistent à faire croire à des personnes qu&#8217;elles entretiennent une relation amoureuse avec quelqu&#8217;un qu&#8217;elles ont rencontré en ligne. En réalité, leur prétendu partenaire est un escroc qui utilise une fausse identité pour gagner leur confiance et finalement leur demander de l&#8217;argent.
Les découvertes et les expériences directes de Valentina au Ghana sont relatées dans son livre, The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, publié en 2022. Cette publication perspicace présente une collection de messages originaux d&#8217;escrocs ghanéens, mettant en lumière leurs pratiques trompeuses. Valentina se concentre principalement sur l&#8217;exploration du langage amoureux contemporain à l&#8217;aide d&#8217;outils numériques, et sur la création d&#8217;un pont avec la tradition des manuels de rédaction de lettres d&#8217;amour des 18e et 19e siècles. Ces manuels, connus sous le nom de The Lover&#8217;s Instructor au Royaume-Uni, Secrétarie Galant en France et Segretario Galante en Italie, donnaient des conseils sur la rédaction de lettres d&#8217;amour, en fournissant des exemples, des modèles et des astuces pour les amoureux manquant de prouesses linguistiques ou d&#8217;imagination.
Poursuivant ses recherches en 2023, Valentina s&#8217;est aventurée en Côte d&#8217;Ivoire, un pays francophone, où elle a recueilli des textes romantiques utilisés par les &#8220;brouteurs&#8221; (escrocs en français ivoirien) de la capitale Abidjan et a mené des entretiens avec un groupe de ces fraudeurs de l&#8217;amour. Elle travaille actuellement à la rédaction d&#8217;un nouveau livre, fruit des résultats obtenus au cours de ce travail de terrain.
L&#8217;expertise de Valentina Peri et ses recherches de première main apporteront un éclairage unique sur les domaines fascinants de la complexité de l&#8217;amour, de la tromperie et du paysage numérique dans le contexte des rencontres en ligne.

Love, Lies and Romance Scam

Martial Geoffre-Rouland est diplômé de l&#8217;école supérieure de design et d&#8217;ingénierie Elisava de Barcelone. Ses travaux sont axés sur l&#8217;art numérique et les installations interactives.
Il a collaboré avec un grand nombre d&#8217;artistes, de studios indépendants et d&#8217;entreprises internationales dans des domaines tels que le développement web, l&#8217;art numérique et la scénographie.
Son studio solo est spécialisé dans le conseil, la conception, la production et l&#8217;élaboration de projets couvrant un large éventail de sujets, notamment l&#8217;apprentissage automatique, les expériences web UI/UX, l&#8217;éclairage de scène, la visualisation de données, l&#8217;interaction homme-machine, la vision par ordinateur, la réalité augmentée et la conception graphique.
Il est également artiste en résidence au Google Arts &amp; Culture Lab.

Martial Geoffre-Rouland

(Conception, ingénierie et art : un cycle de synergie créative et technique)
Cette session du studio de design Screen-Club explore le parcours de co-création entre les artistes et les technologues.
En mettant l&#8217;accent sur les collaborations artistiques, l&#8217;exposé examine à la fois la vision créative et l&#8217;expertise technique qui contribuent à ces projets. En présentant des œuvres sélectionnées, la discussion vise à mettre en lumière les processus de collaboration et le savoir-faire qui donnent vie à ces œuvres d&#8217;art numériques.

Design, Engineering & Art : A Cycle of Creative and Technical Synergy

Špela Petrič est une artiste slovène des nouveaux médias avec une formation en sciences naturelles. Sa pratique artistique combine les pratiques biomédiatiques et la performativité, pour mettre en scène d&#8217;étranges relations entre les corps qui révèlent les fondements de nos sociétés (bio)technologiques et pour proposer des alternatives.
Špela expose au niveau international et a reçu plusieurs prix, tels que le White Aphroid (Slovénie), le Bioart and Design Award (Pays-Bas) et un prix de distinction au Prix Ars Electronica (Autriche).

Špela Petrič

(L&#8217;IA comme infrastructure, l&#8217;automatisation comme soin)
Comment l&#8217;automatisation avancée est-elle mise en œuvre dans deux domaines apparemment disparates &#8211; l&#8217;agriculture et les soins de santé &#8211; qui partagent pourtant un élan commun, celui de prendre soin des corps ?
Špela partage des stratégies d&#8217;accès et de production de connaissances communes pour mieux comprendre les dessous cachés de nos sociétés, qui ne sont pas moins politiques que ce que l&#8217;on voit sur nos écrans.

AI as Infrastructure, Automation as Care

Simone Rebaudengo est cofondateur et directeur créatif d&#8217;oio, une société créative qui cherche à transformer les technologies émergentes en une réalité accessible, quotidienne et durable pour les humains et les générations futures.
Il a précédemment conçu des scénarios et des produits d&#8217;avenir pour le Musée du futur de Dubaï, exposé des objets du futur dans de grands musées du monde entier avec son collectif automato.farm et a été concepteur principal pour les visions du futur chez BMW Designworks et frog. Il a collaboré avec Usman Haque et Pachube dans l&#8217;exploration des relations entre l&#8217;homme et la machine dans les premières phases de l&#8217;internet des objets.
Ses travaux explorent les implications de la vie et de la collaboration avec d&#8217;autres intelligences, pas si humaines. Il a co-conçu, avec une IA, une série spéciale de produits pour Iittala, publié un livre de fables sur des avenirs qui dépassent l&#8217;humanité, créé, avec Bruce Sterling, des installations immersives sur le fait d&#8217;être un appareil, ainsi qu&#8217;un court-métrage qui a remporté le prix &#8220;Most Uncanny&#8221; au Robot Film Festival.
Simone est membre du corps enseignant du Master en design pour une IA responsable à ELISAVA à Barcelone, et aussi conférencier invité à l&#8217;Institut de design d&#8217;interaction de Copenhague (CIID). Ses projets ont été récompensés par le Red Dot Design Award, Core77, IXDA Awards et exposés dans des galeries et des musées tels que le Vitra Design Museum, le Triennial Museum de Milan et le MAK de Vienne.

Simone Rebaudengo

(L&#8217;intelligence en tant que matériau)
Dans cet exposé, Simone ne vous expliquera pas comment vous simplifier la vie en utilisant l&#8217;IA, mais plutôt le contraire.
En se basant sur le travail et la recherche de ces dernières années avec oio, il partagera la façon dont lui et son équipe ont expérimenté l&#8217;intelligence artificielle, non seulement comme un outil pour simplifier et rationaliser les processus, mais aussi comme un point de départ pour concevoir des produits inimaginables.

Intelligence as a material

Antoine Bertin est un artiste européen qui travaille à l&#8217;intersection de la science et de l&#8217;immersion sensorielle, de l&#8217;enregistrement sur le terrain et de la narration sonore, des données et de la composition musicale. Ses créations prennent la forme d&#8217;expériences d&#8217;écoute, de moments immersifs et de méditations audio qui explorent nos relations avec le monde vivant.
Le Studio Antoine Bertin est un studio d&#8217;écoute qui conçoit des installations interactives, des performances musicales en direct, des séries de podcasts, des réalités mixtes et des événements sonores immersifs. Le Studio Antoine Bertin est basé à Paris et sur l&#8217;île d&#8217;Alicudi, et travaille à l&#8217;international.

Antoine Bertin

(L&#8217;Écoute biomimétique)
Musique et biodiversité, science et rituels, machines et conversations inter-espèces : concevoir des expériences d&#8217;écoute qui transforment notre relation avec le monde vivant.

Biomimetic Listening

Martin van der Molen et Silas Nout, du Studio Mals, créent des images et des films de haute qualité qui attirent l&#8217;attention. Leur travail est très tangible, de préférence fait à la main, et a une aspect ludique.
Il s&#8217;agit d&#8217;une équipe d&#8217;artisans méticuleux qui chérissent les détails. Leur esthétique distinctive se traduit par des créations artisanales intelligentes, ludiques et ridiculement sexy !

Studio Mals

(Malin, Coloré, Ludique)
Le Studio Mals crée des photos, des vidéos et des animations en stop-motion d&#8217;une netteté ridicule. Leur travail n&#8217;est qu&#8217;espièglerie, et il est entièrement fait à la main. Ici, pas d&#8217;images générées par ordinateur.
Attendez-vous à assister à une explosion d&#8217;esthétique colorée et détaillée, qui se traduit par des créations artisanales incroyablement sexy pour des clients de grandes marques.
Préparez-vous à plonger dans les coulisses de cette magie artisanale, tout en apprenant deux-trois choses sur la gestion d&#8217;une entreprise créative. Ces gars-là savent comment transformer le travail en jeu !

Clever, Colorful, Playful

Marcel Ziul, fondateur et directeur exécutif de la création de STATE, a une riche histoire professionnelle qui s&#8217;étend sur plusieurs pays, notamment les États-Unis et le Brésil. Ses diverses expériences culturelles ont façonné son approche innovante de la direction créative, ce qui lui permet d&#8217;apporter une perspective globale à son studio.
Chez STATE, Marcel a collaboré avec des marques de premier plan telles que Apple, Facebook, Nike, Google, FX, NFL, Under Armour, ESPN, Electronic Arts, Amazon, UFC, et bien d&#8217;autres encore.
Depuis la création de STATE en 2014, Ziul et son équipe talentueuse ont été largement acclamés et ont reçu de nombreuses récompenses de l&#8217;industrie, notamment des Clios, des Promax BDA&#8217;s, des MTV VMA&#8217;s et des Emmy Awards.

Marcel Ziul de State

(Nu &#8211; La beauté du sentiment d&#8217;inconfort)
Dans un discours charismatique, Marcel Ziul emmène le public dans un voyage sincère à travers les différents états mentaux que nous rencontrons dans nos carrières. 
L&#8217;honnêteté sans fard de Marcel aborde des questions concrètes sur ce que nous sommes en tant qu&#8217;êtres humains et en tant qu&#8217;artistes, ainsi que sur la manière dont nous pouvons relever les défis, qu&#8217;il s&#8217;agisse de clients exigeants ou de besoins bureautiques insignifiants, de traumatismes précoces ou de notre meilleur &#8220;moi&#8221;.

Naked - The beauty of feeling uncomfortable

State

Chris Salter est professeur d&#8217;arts immersifs et directeur de l&#8217;Immersive Arts Space à l&#8217;Université des arts de Zurich (ZHdK). Il est également professeur émérite en design et en arts informatiques à l&#8217;université Concordia de Montréal, ancien codirecteur du réseau Hexagram pour la recherche-création en arts, cultures et technologies et cofondateur de l&#8217;institut Milieux à Concordia. Il a étudié la philosophie et l&#8217;économie et a obtenu un doctorat en études théâtrales avec recherche en musique assistée par ordinateur à l&#8217;Université de Stanford.
Son travail artistique a été présenté dans le monde entier, notamment à la Biennale d&#8217;architecture de Venise, au Barbican Centre, au Berliner Festspiele, au Wiener Festwochen, au ZKM, au Kunstfest Weimar, au Musée d&#8217;art contemporain, à la Muffathalle, à MUTEK, au festival EXIT et à la Place des Arts de Montréal, parmi bien d&#8217;autres. Il est l&#8217;auteur de Entangled : Technology and the Transformation of Performance (2010), Alien Agency : Experimental Encounters with Art in the Making (2015) et Sensing Machines (2022), tous publiés par MIT Press.

Chris Salter

(L&#8217;art, la science et la politique de l&#8217;immersion)
En 1968, la conservatrice d&#8217;origine polonaise Jascia Reichardt a inauguré à l&#8217;ICA de Londres une exposition historique intitulée Cybernetic Serendipty, dans laquelle toutes sortes de dispositifs, d&#8217;objets et de sculptures équipés de capteurs étaient prêts à faire entrer l&#8217;art dans une nouvelle ère technologique. Il est remarquable qu&#8217;au cours des 54 années qui se sont écoulées depuis l&#8217;exposition de Reichardt, le nombre de capteurs, d&#8217;algorithmes et de dispositifs toujours plus complexes n&#8217;a cessé d&#8217;augmenter, mais l&#8217;objectif est resté essentiellement le même : utiliser des capteurs artificiels comme partie intégrante d&#8217;une œuvre d&#8217;art afin que celle-ci puisse &#8220;donner un sens&#8221; à son &#8220;monde&#8221; et y répondre. Cependant, nos sens humains sont nécessaires pour conduire et alimenter des expériences immersives toujours nouvelles en étant de plus en plus &#8220;couplés&#8221; ou liés à un monde simulé, généré par des machines.
Cet exposé se penchera sur les environnements immersifs de TeamLab installés dans les décharges de Tokyo, sur les visions des artistes des années 1960 visant à créer de nouveaux types d'&#8221;environnements réactifs&#8221; et sur l&#8217;ère &#8220;métaverse&#8221; de la réalité étendue qui vient d&#8217;émerger, afin de brosser un tableau historique et sociotechnique critique de nos visions actuelles et futures de l&#8217;art à l&#8217;ère de l&#8217;immersion.

The art, science and politics of immersion

Bien qu&#8217;il n&#8217;ait pas été destiné à la conception et encore moins au web, Henry a néanmoins passé la dernière décennie à diffuser une culture de la conception numérique basée sur le storytelling, l&#8217;artisanat et un amour évident pour les approches de conception inspirées du cinéma. Aujourd&#8217;hui CEO et directeur créatif de Dogstudio, Henry et son équipe collaborent avec des marques et des organisations avant-gardistes telles que Microsoft, The New York Times, Rappi, Tomorrowland, ZOOX (Amazon), le Musée des sciences et de l&#8217;industrie de Chicago, Time inc et bien d&#8217;autres.

Henry Daubrez from Dogstudio

Deux ans d&#8217;aventures avec l&#8217;IA générative, quelques succès, quelques échecs, mais beaucoup d&#8217;apprentissage : un carnet de bord sincère.

Coming of A(I)ge

Henry Daubrez

<a href="http://portablepalace.com">Dmitry Gelfand</a> (né en 1974 à Saint-Pétersbourg, Russie) et <a href="http://portablepalace.com">Evelina Domnitch</a> (née en 1972 à Minsk, Biélorussie) créent des installations et des performances qui associent des phénomènes physiques à des pratiques philosophiques déroutantes. Les artistes utilisent les découvertes actuelles, notamment en ce qui concerne le phénomène des vagues, pour étudier les questions de la perception et de la perpétuité. Ces recherches sont importantes parce que l&#8217;image scientifique du monde, qui sert de base à la pensée contemporaine, ne peut toujours pas englober le travail non enregistrable de la conscience.
Les installations de Domnitch et Gelfand, qui ont renoncé à l&#8217;utilisation de supports d&#8217;enregistrement et de fixation, existent en tant que phénomènes en perpétuelle transformation offerts à l&#8217;observation. Parce que ces phénomènes rarement observés se déroulent directement devant l&#8217;observateur, sans intermédiaire, ils servent souvent à étendre considérablement l&#8217;enveloppe sensorielle de celui-ci. L&#8217;immédiateté de cette expérience permet à l&#8217;observateur de transcender la distinction illusoire entre la découverte scientifique et l&#8217;expansion perceptuelle.
Pour suivre l&#8217;écoulement du cristal liquide propulsé par la lumière, des microsphères de verre creuses sont suspendues dans la solution. Ces minuscules lentilles servent également à étendre la sensibilité du cristal liquide à la luminosité et à la couleur. Au cours de son parcours d&#8217;autoformation, le faisceau laser crée une projection qui agrandit les paysages microscopiques dans les profondeurs du liquide.
<a href="https://www.unamur.be/en/research/narc/fellows/yoann-olivier">Yoann Olivier</a> a obtenu un doctorat à l&#8217;Université de Mons en 2008. De 2009 à 2013, il a bénéficié d&#8217;une bourse postdoctorale du Fonds national belge de la recherche scientifique (FNRS) et a effectué des séjours postdoctoraux auprès des Prof. Claudio Zannoni à l&#8217;Université de Bologne et Prof. Henning Sirringhaus à l&#8217;Université de Cambridge.
De 2013 à 2019, il a été chercheur associé à l&#8217;Université de Mons et a rejoint en juillet 2019 les départements de chimie et de physique de l&#8217;Université de Namur en tant que chargé de cours.
Ses recherches portent sur la compréhension des processus électroniques dans les matériaux organiques conjugués (petites molécules et polymères) et 2D, en utilisant une approche multi-échelle combinant des méthodes de chimie quantique, une approche Monte Carlo et des simulations de dynamique moléculaire. Récemment, il s&#8217;est intéressé à une nouvelle classe de matériaux pour les diodes électroluminescentes organiques présentant une fluorescence différée activée thermiquement, en se concentrant sur leur structure électronique et leurs propriétés de transport d&#8217;énergie.
Modératrice : <a href="https://bureaudoove.com/">Edith Doove</a>
Organisation : <a href="http://www.ademlabo.eu/">Alexandra Dementieva</a>
Soutenu par 
FÉDÉRATION WALLONIE-BRUXELLES 
CULTURE.BE 
CYLAND 
ADEM

Laser Talks Brussels

(Illuminer les cristaux liquides : Une fusion de l&#8217;art et de l&#8217;exploration scientifique)
Dans le cadre d&#8217;un projet novateur intitulé &#8220;Lemniscate Cascade&#8221;, des artistes et des scientifiques unissent leurs forces pour percer les secrets des cristaux liquides sensibles à la lumière. Ce matériau énigmatique n&#8217;est pas seulement la matière des écrans numériques, il détient la clé du dialogue fondamental entre la lumière et la matière molle qui a donné naissance à la vie sur Terre. Les artistes à l&#8217;origine de &#8220;Lemniscate Cascade&#8221; utilisent des faisceaux laser pour traverser des cristaux liquides sensibles à la lumière, déclenchant une chaîne de transformations hypnotiques le long du trajet du faisceau.
Il est fascinant de constater que les matériaux présentés dans &#8220;Lemniscate Cascade&#8221; peuvent être mis en parallèle avec les matériaux et les processus physiques complexes qui sont au cœur de cette recherche scientifique. La nature biphasée des cristaux liquides et leur réponse intrigante à la lumière pourraient trouver des corrélations intéressantes avec la dualité des états des singlets et des triplets dans le domaine des OLED.
Yoann Olivier étudie l&#8217;avenir des diodes électroluminescentes organiques (OLED). Les OLED sont à la pointe des technologies d&#8217;éclairage et d&#8217;affichage, mais des améliorations sont toujours possibles. Ce projet explore le monde de la fluorescence retardée activée thermiquement (TADF) afin d&#8217;augmenter l&#8217;efficacité des OLED jusqu&#8217;à un niveau stupéfiant de 100 %. Il s&#8217;agit de comprendre les subtilités des états singlet et triplet, influencés par les effets de champ magnétique (EMF) tels que le couplage spin-orbite, l&#8217;interaction hyperfine et le mécanisme delta g. L&#8217;approche multi-échelle d&#8217;Olivier s&#8217;attaque à ces défis, offrant de nouvelles perspectives pour l&#8217;étude de la matière.

Illuminating Liquid Crystals : A Fusion of Art and Scientific Exploration

Théâtre - Friends room

La <a href="https://effetquebec.ca/entreprises/societe-des-arts-technologiques-sat/">SAT</a>, <a href="https://effetquebec.ca/entreprises/mutek/">MUTEK</a>, <a href="https://effetquebec.ca/entreprises/ottomata/">OTTOMATA</a> et <a href="https://effetquebec.ca/entreprises/transversal/">Transversal Studio</a> échangeront sur les pratiques transdisciplinaires et la coopération dans les arts numériques et immersifs. Présenté par <a href="https://fisheyeimmersive.com/">Fisheye Immersive</a>.
Valentin Ducros est curateur et organisateur de festivals et d’expositions d’art numérique pour Fisheye Immersive (<a href="https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/palais-augmente-3">Palais Augmenté</a>, <a href="https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions/view/1504/habeas-corpus">Rencontres d’Arles</a>, Résidence d’écriture VR Arles…). Il s’attache à proposer au public des œuvres porteuses de sens, par le biais de commissions originales et de challenges créatifs à des artistes contemporains (AR, VR, projections interactives, installations, immersion olfactive ou multisensorielle). Fisheye Immersive est l’entité de <a href="https://fisheyemanufacture.com/">Fisheye Magazine</a> dédiée à la créativité numérique et aux nouveaux médias.

L'Effet Québec

L’Effet Québec : immersive installations & large scale public projects

L’Effet Québec

Introduction : Céline Berthoumieux (FR), Chroniques (FR)
Co-directrice de <a href="https://chroniques.org/en/">CHRONIQUES</a>, qui organise la Biennale des Imaginaires Numériques. CHRONIQUES, incubateur d&#8217;imaginaires numériques, travaille depuis de nombreuses années dans les domaines de la création et de la production d&#8217;arts et de pratiques numériques. 
Déléguée générale de <a href="https://hacnum.org/">HACNUM</a>, le réseau national des arts hybrides et des cultures numériques. HACNUM a pour objectif d&#8217;accompagner les transformations du secteur culturel et de jouer un rôle de catalyseur dans les territoires, en inscrivant la culture dans le paradigme de la transition numérique. 
CHRONIQUES a été l&#8217;initiateur du consortium DIGITAL INTER/SECTION.
Modération : Anna Desponds (PL), THE CATALYSTS (DE)
<a href="https://www.catalysts.agency/">THE CATALYSTS</a> est un cabinet de conseil qui stimule le développement d&#8217;acteurs innovants et créatifs dans les domaines de la technologie numérique, des médias, du cinéma, de la musique, du design et des arts. Anna Desponds a plus de dix ans d&#8217;expérience dans la conception d&#8217;événements primés à l&#8217;intersection des arts audiovisuels et de la technologie numérique. Anthropologue, titulaire d&#8217;une maîtrise en sciences humaines interdisciplinaires et d&#8217;une formation en recherche, elle se passionne pour le rapprochement de concepts et de personnes éloignés les uns des autres. Chez THE CATALYSTS, Desponds s&#8217;appuie sur cette vaste expérience pour faciliter la recherche, l&#8217;organisation d&#8217;événements et le développement d&#8217;activités pour les clients. Dans le cadre de THE CATALYSTS, Anna a été l&#8217;une des personnes à l&#8217;origine de la recherche présentée.
Conférencier :  Luke Kemp, Barbican immersive (UK)
Luke Kemp est actuellement coresponsable de <a href="https://www.barbican.org.uk/hire/barbican-immersive-exhibitions">Barbican Immersive</a> et conservateur au Barbican, à Londres. Immersive a développé certaines des expositions les plus ambitieuses et les plus réussies de l&#8217;histoire du Barbican Centre, qui ont été lancées au Royaume-Uni et ont ensuite fait l&#8217;objet d&#8217;une tournée internationale. Les productions les plus récentes de Kemp au Barbican comprennent la co-curation et le développement de Our Time on Earth (2022) et AI : More than Human (2019) ainsi que leurs tournées. Avant de travailler au Barbican, Luke Kemp a collaboré avec des galeries et des organisations du monde entier, telles que la Biennale de Venise et l&#8217;Armory Art Fair. Luke Kemp a étudié au Goldsmiths College et à la Central St Martins School of Arts, UAL, et participe régulièrement à des jurys et des tables rondes sur l&#8217;immersion et la technologie dans l&#8217;art. Il s&#8217;intéresse à la relation de plus en plus étroite entre l&#8217;homme et la technologie et à la création de contenus et d&#8217;expériences qui permettent au public d&#8217;appréhender notre monde en mutation rapide. 
Luke a été l&#8217;une des personnes interrogées dans le cadre de cette recherche.
Conférencière : Natasha Greenhalgh (UK), NXT Museum (NL)
Natasha Greenhalgh est cofondatrice et directrice créative du <a href="https://nxtmuseum.com/">Nxt Museum</a> d&#8217;Amsterdam, le centre d&#8217;art des nouveaux médias aux Pays-Bas, qui réunit sa passion pour l&#8217;art, la technologie et le son. Animée par la volonté de créer de nouvelles réalités, Natasha est obsédée par l&#8217;exploration et le prototypage de nouveaux outils créatifs, de récits et de collaborations.
Ayant étudié au Chelsea Art College, Natasha est formée en design d&#8217;espace et c&#8217;est ce qui motive l&#8217;intérêt de Natasha pour la façon dont Nxt peut utiliser le plus efficacement possible son espace dynamique pour communiquer son obsession pour l&#8217;avenir, en recherchant constamment des opportunités et de l&#8217;innovation. Natasha se consacre à faire en sorte que Nxt soit un lieu pour le plus grand nombre, et pas seulement pour quelques uns, en ouvrant les conversations à ceux qui auraient pu se sentir exclus auparavant. De plus, Natasha dirige le développement du Nxt Lab, un espace éducatif pour l&#8217;expérimentation, la recherche, le développement et l&#8217;échec, conçu pour responsabiliser et inspirer les pionniers de demain.

Ne craignez rien : dans cette session, nous parlerons de l&#8217;économie des arts numériques. Sur la base de l&#8217;expertise de plus de 60 organisations d&#8217;art numérique à travers le monde, nous démystifierons les idées fausses sur le financement des arts numériques, tout en examinant de nouveaux modèles commerciaux durables pour l&#8217;avenir de l&#8217;écosystème des arts numériques.
L&#8217;année dernière, <a href="https://www.catalysts.agency/">THE CATALYSTS</a>, en collaboration avec les partenaires du consortium <a href="https://www.digitalintersection.eu">Digital Inter/Section (DI/S)</a>, a mené une étude approfondie des écosystèmes et des modèles économiques existants dans le secteur des arts numériques. Sur la base d&#8217;une enquête exhaustive, d&#8217;études de micro-cas et d&#8217;entretiens avec des experts, ils ont étudié les tendances en matière de monétisation qui suscitent l&#8217;enthousiasme du monde de l&#8217;art. Comment construire un avenir financier solide ? Rejoignez-nous pour un aperçu des principales conclusions du rapport et pour une discussion avec des représentants d&#8217;organisations numériques.
Les rapports complets sont disponibles à l&#8217;adresse suivante : <a href="https://www.digitalintersection.eu/#publication-rapport-guide">https://www.digitalintersection.eu/#publication-rapport-guide</a>
L&#8217;étude présentée fait partie de Digital Inter/Section (DI/S), un projet financé par la Commission européenne dans le cadre du programme Europe Créative. DI/S vise à diversifier les sources de revenus et les modèles économiques des organisations d&#8217;arts et de culture numériques, tout en promouvant un développement économique durable, éthique et inclusif. Il s&#8217;agit d&#8217;une initiative de Chroniques (France), Chromatic (Canada), Kikk (Belgique), Kontejner (Croatie), Signal (République tchèque) et THE CATALYSTS (Allemagne). Dans une prochaine étape, sur la base de la recherche, les partenaires développeront et testeront de nouveaux modèles d&#8217;entreprise innovants et créeront une boîte à outils pour accroître la résilience économique. Cette boîte à outils sera mise à la disposition de l&#8217;ensemble de l&#8217;écosystème afin d&#8217;accélérer la mise en place de nouvelles méthodes de travail.

How to make money with new media art ? The Starving Artist Myth and other misconceptions.

How to make money with new media art ? The Starving Artist Myth and other misconceptions

Digital Inter/Section (DI/S)

ST’ART est le fonds public d’investissement spécifiquement dédié aux industries culturelles et créatives en Wallonie et à Bruxelles.
Quelles opportunités pour le financement des secteurs culturels et créatifs sur notre territoire ? Sources de revenus, mécanismes et dispositifs publics, partenariats public-privé.
Un focus particulier : l’appel à projets Museum.Expo.Tech.
Séance de questions-réponses.

ST’ART, l’Invest des créateurs : opportunités de financement des ICC en Wallonie et à Bruxelles

Virginie Civrais & Nejma Ben Brahim

Participez à des échanges privilégiés avec des entrepreneurs et entrepreneuses d’exception, véritables sources d’inspiration. Nos invité.e.s partageront leur parcours en dévoilant comment l’écosystème dynamique de la Wallonie et de Bruxelles les a soutenus : de l’incubation à la levée de fonds, de l’accompagnement à l’export sur la scène internationale, de la mise en lumière sur nos diverses scènes et festivals à une communication stratégique.
Avec :
&#8211; Joëlle Tilmanne &#8211; co-fondatrice et CEO de Hovertone
&#8211; Diana Borcescu &#8211; co-fondatrice &amp; CEO de Inmersiv Technologies
&#8211; Manu Di Martino, directeur artistique de Okus Lab
&#8211; Hervé Verloes, directeur et co-fondateur de Magic Loom Studio
L’occasion de zoomer sur les effets “spillovers” des industries créatives ou comment mobiliser l’innovation développée dans le secteur culturel et créatif comme levier de croissance d’autres secteurs économiques traditionnels.
Panel animé par Bérengère Fally (Technocité) et Delphine Jenart (KIKK).

Focus ICC Wallonie-Bruxelles

Parcours inspirants d’industriel.le.s culturel.le.s et créatif.ve.s

Pour “Human Interaction Technology Transfer”, le consortium HITT porte l&#8217;Initiative d&#8217;Innovation Stratégique intégrée dans la stratégie S3 de la Wallonie. Portée par 2 plateformes d&#8217;innovation universitaires (Le Click &#8211; UMons et le MiiL &#8211; UCLouvain), Digital Station (Sambrinvest) et la RTBF, l&#8217;initiative inclut plusieurs projets collaboratifs intégrant des acteurs de la formation (XR Academy de Technocité) et de la recherche (Centres de Recherche Agréés).

HITT

Un simulateur de conduite développé pour tester des situations spécifiques, confirmer des algorithmes de conduite autonome et analyser le comportement des conducteurs. Un jumeau numérique virtuel d’une station d&#8217;épuration dédié à la simulation et à la formation. Des métavers de formations multi-utilisateurs, de shopping du futur, d’onboarding ludifié de nouveaux collaborateurs. Ces quelques exemples montrent comment les techniques empruntées aux jeux vidéo peuvent optimiser les processus d&#8217;apprentissage et de collaboration en milieu industriel.
Cette question sera au cœur de la discussion animée par le consortium HITT (Human Interaction Technology Transfer) avec des acteurs industriels réunis autour de cas concrets pour comprendre véritablement ce que l’on entend par “Industrie du futur” ou transformation 4.0.
Avec :
&#8211; Olivier Pirlet &#8211; Software Development Engineer – UX Specialist chez AISIN Europe
&#8211; Thomas Kubski &#8211; Director &#8211; digital strategy &amp; experience design at Deloitte Digital
&#8211; Sebastien Nahon &#8211; Media Innovation &amp; Intelligibility Lab (MIIL) Manager UCLouvain
&#8211; Dimitra Manoliadis &#8211; Co-founder Altheria
Panel animé par Thierry Jourquin, cofondateur de XRintelligence et coordinateur de HITT.

Jeux vidéo et innovations XR : les ponts entre ludification et industrie

Créé en 2020, <a href="https://hacnum.org/">HACNUM</a> – le Réseau national des arts hybrides et cultures numériques – rassemble plus de 400 acteur·ices de la filière en France.
Hybride par nature, HACNUM réunit des professionnel·les aux typologies diverses : artistes, festivals, théâtres, salles de concert, tiers-lieux, centres d’art, fablabs, lieux de résidence, studios de création numérique, clusters d’entreprises, galeries d’art, universités, journalistes… pour la défense de leurs intérêts croisés.
Ses missions se déclinent autour de trois grands champs d’actions :
&#8211; Représenter le secteur des arts hybrides et cultures numériques auprès des décideurs publics nationaux et régionaux pour une meilleure reconnaissance de la filière
&#8211; Animer le réseau des adhérent·es dans une démarche de veille permanente et de professionnalisation de ses membres
&#8211; Accompagner les acteurs institutionnels et culturels qui souhaitent soutenir la création hybride et numérique.

HACNUM

(Une exploration de l&#8217;écosystème français de la création numérique)
Quels sont les enjeux de la création numérique en France ? Comment soutenir la circulation des œuvres et des artistes ? Comment structurer un réseau et le promouvoir ? Des institutions et des professionnels de premier plan nous expliquent comment ils soutiennent et défendent les intérêts de ce secteur hybride.
Avec :
<ul>
<li>Céline Berthoumieux, déléguée générale d&#8217;HACNUM &#8211; Réseau français des arts hybrides et des cultures numériques</li>
<li>Léa Conrath, coordinatrice générale de HACNUM &#8211; Réseau français des arts hybrides et des cultures numériques</li>
<li>Luc Brou, coordinateur d&#8217;Oblique/s</li>
<li>Gaëtan Gromer, directeur artistique, Ensembles 2.2</li>
<li>Hannah Loué, chargée de mission pour la création numérique et audiovisuelle, Institut français</li>
</ul>

Exploring the French digital creation ecosystem

Conférences

Plus de 35 conférences inspirantes sur l'intelligence artificielle, le branding, la stratégie, la VR/AR, le creative coding, la data viz, le gaming/VFX, le design, la recherche et bien plus encore.
Avec le soutien de Digital Wallonia.

Pour cette soirée d’ouverture, nous mettons le projet AfriKIKK à l’honneur en invitant la DJ bruxelloise Rokia Bamba à nous concocter une soirée 100% Afrique. Rokia a invité des artistes qui vont vous faire vibrer aux rythmes de leurs univers musicaux.
AfriKIKK est un projet de promotion des arts des nouveaux médias et d&#8217;exploration des cultures numériques soutenu par Wallonie Bruxelles International, la Délégation Wallonie Bruxelles au Sénégal, la Région wallonne et le programme Africalia. Ce programme est le fruit d&#8217;un partenariat entre le KIKK et une série de partenaires et de curateur.trice.s du continent africain et de sa diaspora. La mission principale de ce partenariat est de montrer l&#8217;importance de l&#8217;Afrique à l&#8217;ère numérique, notamment en tant que vecteur d&#8217;imaginaire culturel, de traditions sociales et orales et de patrimoine immatériel, en présentant les points de vue d&#8217;un ensemble d&#8217;artistes et d&#8217;experts issus du continent africain ou de la diaspora.
21h-00:30 : Zouratié Koné &amp; SAHAD (SN)
00:30-02:00h : Rokia Bamba (BE)

AfriKIKK Party

<a href="https://zouratiekone.com/">Zouratié Koné</a> (BF)
Zouratié Koné est un artiste burkinabé, qui fréquente la Belgique depuis 2013, car il fait partie du sextet Afro Jazz, Afrikan Protokol.
Il s’est formé dans la tradition orale des Griots mandingues (artistes-guérisseurs traditionnels), il maîtrise tous les instruments traditionnels de l’Afrique de l’ouest (ngoni, kora, balafon, talking drum, djembé, dundun, longa,) et connaît des centaines de rythmes et traditions musicales différents provenant de la région mandingue de l&#8217;Afrique de l&#8217;Ouest, ainsi qu&#8217;un large éventail de chansons.
Dans son répertoire musical, qui a commencé à faire connaître en Belgique à partir du 2018, cette riche tradition fusionne avec les différents styles musicaux européens. Il joue avec des musiciens piliers du jazz en Belgique, comme le saxophoniste Toine Thys, le trompettiste Laurent Blondiau, la chanteuse Tutu Pouane.
Dans le duo présenté dans ce festival il sera en duo, il sera accompagné par le percussioniste sénégalais Honoré Kouadio.
SAHAD (SN)
Le prénom Sahad fait référence à la &#8220;récolte&#8221; en sérère et à la &#8220;résurrection&#8221; en wolof. Sahad se décrit comme un taxi de brousse qui parcourt le monde à la recherche des richesses qui naissent de nos différences pour les partager.
De l&#8217;afro au jazz, du blues au folk et au funk, il s&#8217;appoprie toutes les influences africaines et cosmiques pour créer une musique kaléidoscopique. Son dernier album, Luuma, joue la carte de l&#8217;hybride, passant de morceaux purement acoustiques aux rythmes psychédéliques, mêlant une sensibilité profonde à une éblouissante explosion d&#8217;énergie.
Sahad a fait partie de plusieurs sélections officielles lors d&#8217;événements internationaux (à Nairobi, Austin, Rabat). Il a remporté le Prix du Tanit d&#8217;or aux Journées Musicales de Carthage (2016), a été finaliste du MIDEM (2016, France) et lauréat de l'&#8221;Afro Pépites show&#8221; Le Rêve africain ( 2016, France).
Avec son équipe, Sahad a créé le label indépendant « Stereo Africa 432 » afin de produire et accompagner des artistes locaux de la scène alternative et de promouvoir leur talent sur la scène internationale. Il est aussi fondateur et initiateur de l’éco-village de Kamyaak, au Sénégal.
Rokia Bamba (BE)
(D&#8217;après Marie Darah, Femme Flamboyante)
&#8220;Quand elle décide de te faire suer, Rokia, tu peux pas déroger.
Rokia, elle ne te fait pas que danser, elle t&#8217;écume et t&#8217;envoute, c&#8217;est une charmeuse de gens, elle trouve systématiquement la façon de te faire onduler.
Et si tu veux remettre ta veste, n&#8217;essaie pas trop, elle va te la retirer.
Rokia, c&#8217;est l&#8217;éclectisme de l&#8217;envie de te mettre bien. Elle a cette notion des choses en bulles de mots, en bloc séparé qui s&#8217;enfile et dedans elle entend la musique qui va te faire bouger. Rokia elle sait. Et quand tu lui dis que t&#8217;as tellement sué que t&#8217;en peux plus, elle va te répondre : &#8220;Ben WÉ !&#8221;
Rokia Bamba, c&#8217;est la paix aussi, la douceur retrouvée qui avait oublié de se voir dans toute sa splendeur de femme généreuse et guérisseuse. Rokia femme DJ qui scrute les sourires sur la piste et les énergies, Rokia femme émancipée qui en a mis du temps à se sublimer en qui elle était vraiment, Rokia radio campus, Rokia journaliste, Rokia hôte de podcast, Rokia de Paris à Dakar dans la tribune du monde, Rokia Bamba, La Flamboyante. Elle commence à se rendre compte qu&#8217;on peut aimer faire du bien aux gens et prendre la société en réparation, corps après corps, âme après âme, humaine après humain, prendre soin de créer un cercle prolifique au bien être Collectif. Et ça, Rokia, c&#8217;est un truc dont on ne peut pas douter quand on la voit avec sa souriance pleine de dents et ses 75 milles lunettes stylées. Quand elle te parle de ses enfants, ou quand elle te parle de sa maman ou simplement de son métier, de ses envies d&#8217;apprendre à Faire, Rokia c&#8217;est un chamboulement solaire, c&#8217;est une aura de retrouvailles, elle t&#8217;offre ce sentiment d&#8217;être en famille même si t&#8217;en as pas. Et il est précieux ce cadeau là, d&#8217;être comme à la maison. À l&#8217;odeur d&#8217;une Pierre rassurante, tu peux sentir dans son être entier que Rokia, c&#8217;est une femme qui berce autant qu&#8217;elle flamboie. Et si le monde est condamné à exploser, alors c&#8217;est sur ces sons qu&#8217;on dansera pour ne pas oublier de se retrouver en étincelles, en flammes, flamboyant·es à ses côtés, au bout de ses doigts.&#8221;

Line up

La Flamboyante curated by Rokia Bamba

La Nef

Soirée d’ouverture KIKK – AfriKIKK

Cette année, l’affiche de l&#8217;after party du KIKK Festival se compose de 3 DJ’s ayant mis le feu lors des deux dernières éditions du Horst Festival : DTM Funk, Donia et Slomo Sean.

Bougez sur le dancefloor avec DTM Funk, Donia et Slomo Sean

DTM Funk
Depuis plus de 10 ans, l’Anversois DTM Funk est à l’avant plan de la scène musicale belge. Résident du Horst Festival et du C12, patron du label San-Kofa Rhythm, il combine une grande connaissance des talents locaux et une vision mondiale de la musique et se tient fermement au-dessus des tendances et modes éphémères. Ce qui fait la particularité de ses sets ? Il se concentre sur la soul, le groove et le rythme. En se focalisant sur ces 3 éléments pour en faire un fil rouge, il évite d’être lié à un genre plutôt qu’à un autre, passant de morceaux percussifs à des rares joyaux soul et house, et il réussi à créer une vraie atmosphère propice à faire bouger n’importe quel dancefloor.
DTM Funk on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QDe9phsNtv8">Youtube</a> <a href="https://soundcloud.com/dtmfunk">Soundcloud</a> <a href="https://www.instagram.com/dtmfunk/">Instagram</a> <a href="https://www.facebook.com/dtm.funk">Facebook</a>
Donia b2b Slomo Sean
Donia, la dealeuse de dopamine, et Slomo Sean, le DJ tout terrain, s’associent pour la première fois lors de cette soirée pour un set de 2h30. Les deux pensionnaires de Kiosk Radio sont des spécialistes lorsqu’il s’agit de dénicher et enchainer des merveilles musicales qui balayent le spectre extra large des musiques électroniques.
Donia on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=kjq-cfDBUfQ&amp;t=2504s">Youtube</a> <a href="https://www.instagram.com/doniacobra/">Instagram</a> <a href="https://soundcloud.com/kemla10-50">Soundcloud</a>
Slomo Sean on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=nFwaVdbajsg&amp;t=2639s">Youtube</a> <a href="https://www.mixcloud.com/slomosean/">Mixcloud</a> <a href="https://soundcloud.com/slomosean">Soundcloud</a> <a href="https://www.mixcloud.com/slomosean/">Instagram</a>

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Soirée d’ouverture KIKK – AfriKIKK

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